Varan el Increíble

El dinosaurio volador

Varan el Increíble es una poco conocida película kaijū de los Estudios Toho producida y dirigida respectivamente por los expertos Tomoyuki Tanaka e Ishirō Honda. El film se centra en Varan, una criatura prehistórica monstruosa similar a los lagartos conocidos como dragones voladores, la cual surge del lago donde habita para sembrar el caos. En el reparto aparecen Kōzō Nomura, Ayumi Sonoda y Fumito Matsuo, con Haruo Nakajima encarnando a Varan. En origen, esta tópica historia de Ken Kuronuma adaptada por Shinichi Sekizawa se produjo para ser exhibida en la televisión de los Estados Unidos, pero acabó convirtiéndose en un largometraje estrenado en Japón como 大怪獣バラン/Daikaijū Baran — es decir, "Monstruo Gigante Varan". Fue la última película de monstruos de Toho rodada en blanco y negro. En ella intervienen asimismo otros dos nombres clásicos del estudio, el técnico de efectos especiales Eiji Tsuburaya y el compositor Akira Ifukube.

Póster de la película (foto: Wikipedia)

En 1962 la estadounidense Crown International Pictures distribuyó una versión que alteraba considerablemente la trama del film japonés; aunque conservaba parte de su metraje, consistía mayormente en escenas nuevas con actores norteamericanos en los papeles protagonistas — algo que ya se había hecho con Japón bajo el Terror del Monstruo. Entre otros, todos los planos que mostraban a Varan en vuelo fueron eliminados en un intento de hacerlo más creíble. Por algún motivo en esta película el monstruo responde al nombre de «Obaki» (del japonés お化け/obake, palabra que significa "cosa que cambia").

Póster de la versión estadounidense (foto: Wikipedia)

Al parecer este film comenzó siendo una coproducción entre American Broadcasting-Paramount Theatres (AB-PT) y Toho destinada a emitirse en dos partes por televisión, y por tanto se rodó en blanco y negro con la relación de aspecto 1,37:1. AB-PT se retiraría del proyecto cuando la película estaba casi terminada. Los nipones escribieron escenas adicionales, además de adaptar fotograma a fotograma la filmación original a un formato panorámico de circunstancias mediante el proceso llamado TohoPanScope para su pase en los cines.

Esta rutinaria película tiene la particularidad de que no recurre a las armas atómicas para explicar la aparición de la criatura del título. Por otra parte, la historia es tan genérica y los personajes tan planos que difícilmente deja impresión en el espectador a pesar del oficio de Honda. Quizás como prueba de ello Varan sólo figuraría en otro título del estudio, la simplemente espectacular Invasión Extraterrestre (1968); para entonces el disfraz se encontraba en tan mal estado que no se podía emplear en las escenas de lucha. Toho recicló abundante material de archivo procedente de Japón bajo el Terror del Monstruo y El Rey de los Monstruos para ilustrar los ataques del kaijū. Durante el rodaje, el especialista Haruo Nakajima — la persona bajo la piel de Godzilla entre 1954 y 1972 — sufrió heridas en un accidente con cargas explosivas y tuvo que ser sustituido por Katsumi Tezuka.

Dos entomólogos que buscan una rara especie de mariposa vista en un aislado valle de Japón descubren entre las montañas un lago que no aparece en los mapas. Antes de poder comunicarlo, ambos perecen aparentemente aplastados por una avalancha. La reportera Yuriko Shinjō, hermana de uno de los científicos, decide ir a la zona para averiguar qué sucedió exactamente. La acompañan el periodista Horiguchi y otro entomólogo, Kenji Uozaki. Cuando llegan al pueblo donde los dos hombres fueron vistos por última vez, los aldeanos les hablan con terror de una leyenda acerca de un monstruo gigante. Los expedicionarios pronto descubren que la criatura llamada Varan no es ninguna leyenda y que está a punto de abandonar el valle donde ha vivido durante millones de años...

Los lugareños suplican que no se moleste a su dios del lago (foto: The Dwrayger Dungeon)

El plan de los militares obliga a emerger a Varan (foto: The Dwrayger Dungeon)

Pero las tropas no pueden contener al monstruo (foto: The Dwrayger Dungeon)

Varan derriba un Neptune de las Fuerzas Navales de Autodefensa (foto: The Dwrayger Dungeon)

Momentos de pánico (foto: The Dwrayger Dungeon)

Tokio vuelve a sufrir las peores consecuencias (foto: The Dwrayger Dungeon)

Trailer de la versión estadounidense (vídeo: YouTube)

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El Coloso de Nueva York

Experiencia extracorpórea

El Coloso de Nueva York es una película de ciencia-ficción de 1958 producida por William Alland y dirigida por Eugène Lourié. Paramount Pictures la estrenó encabezando un cartel que incluía Hijos del Espacio, otro proyecto de Alland. Sus protagonistas son John Baragrey, Mala Powers, Otto Kruger, Robert Hutton, Ross Martin y el niño Charles Herbert (con Ed Wolff como El Coloso). El poco sutil guión de Thelma Schnee, basado en un argumento de Willis Goldbeck, cuenta cómo un científico trasplanta el cerebro de su brillante hijo, muerto en accidente, a un enorme robot — con desastrosas y predecibles consecuencias. El film destaca por la minimalista e inquietante música de Van Cleave.

Póster de la película (foto: FilmAffinity)

Alland había producido casi todos los grandes éxitos del género para Universal-International en los años 1950, pasando de las imaginativas y técnicamente notables Vinieron del Espacio (1953) y La Mujer y el Monstruo (1954) a mediocridades como Bajo el Signo de Ishtar (1956) y El Monstruo Alado (1957). El productor aceptó una oferta más esperanzadora de Paramount, la cual no obstante llevó a un par de películas tan baratas, al menos, como cualquiera de las que había hecho en Universal. A primera vista había grandes posibilidades en una historia que tomaba ideas de El Golem o El Doctor Frankenstein, pero el presupuesto impidió que El Coloso de Nueva York fuese algo más que una modesta película de monstruos atractiva más que nada para el público infantil — el concepto básico sería mucho mejor aprovechado en la impresionante RoboCop (1987).

Eugène Lourié — quien dirigió el film mientras esperaba el visto bueno para la mucho más prometedora El Monstruo Submarino — completó el rodaje en ocho días; una de las escenas, la del funeral, se tuvo que filmar dos veces después de que el actor Ross Martin se durmiera en el ataúd y sus ronquidos resultasen claramente audibles. Lourié sería bastante despectivo acerca de El Coloso..., afirmando que recordaba tan poco de ella «como de la escarlatina que tuve a los ocho años», y tampoco supuso precisamente un hito en las carreras de los demás miembros del equipo. No obstante, a pesar de la falta de complejidad de la historia, el director se las arregló para introducir algunos conseguidos elementos de irrealidad que aportan un tono de ensueño al film. A ello contribuye la inusual banda sonora, compuesta para un solo piano (lo cual pudo haber sido una medida puramente económica o incluso haber tenido algo que ver con una huelga de los músicos del estudio).

El Coloso fue diseñado y fabricado por Charles Gemora y Ralph Jester, quienes concibieron un traje de cerca de dos metros y medio de alto que pesaba 75 kilos. En su interior contaba con baterías, cables, tanques de aire comprimido y tubos de oxígeno que accionaban las partes mecánicas y permitían respirar a Ed Wolff. Dado que se tardaba cuarenta minutos en meter y sacar a Wolff del traje, se construyó un armazón especial para que pudiese descansar entre toma y toma. Los efectos visuales fueron obra de Farciot Edouart y John P. Fulton.

La genial y acaudalada familia Spensser está celebrando la concesión del Premio Nobel de la Paz al joven Jeremy cuando se conoce la noticia de su fallecimiento en accidente. El padre, el neurocirujano William Spensser, lleva el cuerpo a su laboratorio pero horas después admite que sus esfuerzos para revivirlo han fracasado. Pero el doctor ha extraído en secreto el cerebro de Jeremy, y con ayuda de Henry, su otro hijo y especialista en autómatas, construye un cuerpo artificial para albergarlo. Un año más tarde, Jeremy ha desarrollado percepción extrasensorial para compensar la falta de otros sentidos, así como otros extraños poderes. Pero también sufre una profunda alienación... que lo lleva a planear una grandiosa venganza contra la "inútil" Humanidad que una vez amó.

Jeremy "Jerry" Spensser, genio y filántropo, con su hijo Billy (foto: DVDBeaver)

El brillante pero débil Henry Spensser (foto: DVDBeaver)

Sumergido en fluido preservador está el cerebro de Jeremy — mas, ¿también su alma? (foto: DVDBeaver)

El doctor William Spensser ¿visionario o lunático? (foto: DVDBeaver)

El Coloso despierta (foto: DVDBeaver)

Anne descubrirá el destino de su esposo (foto: DVDBeaver)

«¡Creo que algo ha salido mal!» (foto: DVDBeaver)

Reencuentro con Billy (foto: DVDBeaver)

Inesperado regreso a las Naciones Unidas (foto: DVDBeaver)

Matanza (foto: DVDBeaver)

Trailer de la película (vídeo: YouTube)

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El Gigante de Otro Mundo

El gigante más pequeño de todos los tiempos

El Gigante de Otro Mundo (llamada también El Gigante de la Tierra Misteriosa) es una extremadamente modesta película de ciencia-ficción de 1958 distribuida por Astor Pictures. Se trata de una de las cuatro estrenadas ese año por el director Richard E. Cunha en dos programas dobles — en este caso con Mujeres Demonio — y probablemente la mejor. Fue producida por Arthur A. Jacobs, socio de Cunha en Screencraft Enterprises. El improbable guión pertenece a Frank Hart Taussig y Ralph Brooke; cuenta cómo un brutal y corpulento conquistador español revive tras varios siglos en animación suspendida y da rienda suelta sus violentos instintos. En el reparto aparecen Ed Kemmer, Sally Fraser, Bob Steele, Morris Ankrum y Buddy Baer como el gigante Vargas. El compositor Albert Glasser (quien intervino en varias películas alusivas al tamaño de los protagonistas, como El Asombroso Hombre Creciente o Ataque Diabólico) escribió la música.

Póster de la película (foto: IMDb)

Dick Cunha y Art Jacobs llevaban un tiempo produciendo anuncios para la televisión cuando su amigo Ralph Brooke los convenció de que «sería divertido» rodar un largometraje. Junto a Frank Taussig decidieron «hacer una película de monstruos»; desde ese instante hasta que tuvieron en sus manos el corte final transcurrieron sólo dos meses. Con un presupuesto de unos 55.000 dólares, se vieron obligados a renunciar a los monstruos más caros — y también a los baratos. Su "monstruo", a fin de cuentas un hombre bastante alto, y la engañosa publicidad del cartel probablemente defraudaron a más de un adolescente ingenuo. Cunha rodaría el film en seis días, en majestuosas localizaciones del Bosque Nacional de San Bernardino (a su equipo, que trabajaba por un salario inferior al del convenio, le había contado que el rodaje sería en la playa con el fin de despistar a los sindicatos).

Después de probar a varios candidatos, el personaje del título fue encarnado por el antiguo púgil Buddy Baer, quien medía 1,99 metros. Baer, uno de los mejores pegadores de su época y hermano del campeón Max Baer, había tenido su momento de gloria cuando envió a Joe Louis fuera del cuadrilátero con un gancho de izquierda en un combate por el título de los pesos pesados (eventualmente perdería por descalificación). Tras su retirada había intervenido en un par de películas de Abbott y Costello y en Quo Vadis (1951), como el memorable Ursus. Su maquillaje fue un trabajo precipitado pero aceptable del gran Jack Pierce, el cual acentuaba los de por sí marcados rasgos del ex-boxeador. Parece ser que fue de esta guisa como Buddy acompañó a Jacobs a un taller de la cercana Fawnskin, después de que el dueño se negara a interrumpir su ruidoso trabajo durante las tomas (tras esa visita el hombre se ausentaría temporalmente de la ciudad).

La recepción de El Gigante.... fue tibia en el mejor de los casos. Muchos destacaron las abismales lagunas del guión y la pobreza de medios. No obstante, habida cuenta las circunstancias es sorprendente que la película no sea mucho peor, y que incluso se las arregle para sacar excelente partido de las localizaciones en las escenas finales.

Suceden cosas extrañas en el pequeño pueblo de montaña de Pine Ridge. Tras varios incidentes de mutilaciones de ganado en el Risco del Diablo, un hombre aparece muerto de una brutal paliza. El sheriff Parker sospecha de un científico local, Wayne Brooks, quien había discutido con la víctima, mientras que el Indio Joe advierte de una maldición nativa. Al pueblo llegan el doctor Frederick Cleveland y su hija Janet siguiendo el rastro de Vargas, un depravado conquistador del siglo XVI conocido como el Gigante Diablo que junto a su pequeña banda de renegados desapareció cuando buscaban oro. Brooks admira al doctor Cleveland y le muestra sus hallazgos de aficionado; éstos incluyen un lagarto presuntamente extinto que ha vuelto a la vida tras ser desenterrado. En el Risco del Diablo encuentran antiguos artefactos españoles, entre ellos un hacha y una armadura desproporcionadamente grandes. Esa noche, un relámpago reanima al sanguinario Vargas...

Wayne Brooks, el científico local (foto: The Dwrayger Dungeon)

El gigante despierta después de casi quinientos años — la película no aclara quién cometió los ataques anteriores a su reanimación (foto: The Dwrayger Dungeon)

Una desagradable sorpresa para la joven Ann Brown (foto: The Dwrayger Dungeon)

Vargas (foto: The Dwrayger Dungeon)

Lucha a muerte en el Risco del Diablo (foto: The Dwrayger Dungeon)

El doctor Cleveland, Janet y el sheriff Parker esperan con el alma en vilo el desenlace (foto: The Dwrayger Dungeon)

Trailer de la película (vídeo: YouTube)

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La Venganza de Frankenstein

Una no es suficiente

La Venganza de Frankenstein fue la continuación de La Maldición de Frankenstein, estrenada en 1958 tan sólo trece meses después de ésta. Para hacerla Hammer Film Productions recurrió prácticamente a todo el equipo original: el productor Anthony Hinds, el director Terence Fisher y el guionista Jimmy Sangster (quien publicaría una novelización de la película bajo el seudónimo de Hurford Janes). Otros hombres clave del estudio fueron Jack Asher como responsable de la suntuosa y atmosférica fotografía en color, Bernard Robinson como director artístico creador de un convincente diseño de producción — a pesar de ciertas limitaciones presupuestarias — y Phil Leakey como maquillador. En el reparto repite Peter Cushing en el papel principal, bien acompañado por Francis Matthews, Eunice Gayson y Michael Gwynn. Leonard Salzedo compuso la banda sonora. El film sería distribuido por Columbia Pictures..

Póster de la película (foto: Wrong Side of the Art!)

Esta primera secuela de La Maldición de Frankenstein se rodó en los Estudios Bray al mismo tiempo que Drácula, otro film de Fisher protagonizado por Christopher Lee y Peter Cushing, y ambas películas compartieron decorados además de equipo técnico y artístico. Si bien el arrollador éxito de la adaptación de la novela de Mary Shelley llevó a producir una segunda parte, también hizo que Lee diera el salto a papeles más importantes y ya no participase en el proyecto. Cushing compensa su ausencia con una magistral interpretación del personaje principal, captando todas sus contradicciones, y arreglándoselas para ser sutil o sobreactuado sin dejar de resultar creíble. Le ayuda sobremanera el patético monstruo Karl de Gwynn y el sagaz doctor Kleve de Matthews. El guión renuncia a dar tópicas lecciones morales; por el contrario, está repleto de toques inteligentes que el director materializa en una soberbia combinación de ironía y pura manipulación.

Considerada por algunos la mejor película sobre Frankenstein, La Venganza... puede no obstante ser una decepción para aquellos que identifican dicho nombre con el monstruo y no con el científico que lo creó. También pueden tener problemas quienes no estén a gusto con el toque gore de la Hammer: tal fue el caso de los redactores del Daily Telegraph que sugirieron al Consejo Británico de Censores de Películas que la incluyese en una nueva categoría especial — "Sólo para Sádicos". Aunque ejecutivos del estudio aseguraron al Consejo que un plano especialmente conflictivo (el de Frankenstein vertiendo el cerebro de Karl de una cacerola a un tarro) había sido suprimido del montaje final, la escena está presente en todas las copias conocidas. Ajena a esta polémica, Columbia no vaciló en distribuirla en los Estados Unidos con la aterradora La Noche del Demonio (1957).

En la villa centroeuropea de Carlsbruck el forastero doctor Stein abre un hospital de caridad. Nadie sospecha cuando sus depauperados pacientes pierden miembros en operaciones de urgencia — nadie, excepto un joven rival, el doctor Hans Kleve. Tras amenazar a Stein con exponerlo como el fugitivo de la justicia que es realmente (el barón Victor Frankenstein, salvado de la guillotina en el último momento por sus partidarios), Kleve es persuadido para convertirse en su socio. Los doctores planean trasplantar el cerebro de su deforme esbirro Karl en una criatura sintética perfeccionada; pero el experimento está lejos de ser un éxito.

Karl ansía un nuevo cuerpo (foto: Dictionary of Hammer Horror)

El experimento en su fase final (foto: Island of Terror)

El confiado "doctor Stein" (foto: Dictionary of Hammer Horror)

Un gran triunfo — aparentemente (foto: Island of Terror)

Un desesperado Karl irrumpe en el baile (foto: Dictionary of Hammer Horror)

La enfermera Margaret escucha atónita una impensable revelación (foto: Dictionary of Hammer Horror)

La película no escatima truculencias (foto: Island of Terror)

Frankenstein se convierte en su propia creación (foto: Island of Terror)

Trailer de la película (vídeo: YouTube)

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La Barrera de Fuego

Desde el espacio con horror

La Barrera de Fuego es una película de 1958 producida por Arthur Gardner y Jules V. Levy para la independiente Gramercy Pictures, y dirigida por Paul Landres. En el guión de George Worthing Yates y Pat Fielder una mujer financia una expedición a la jungla centroamericana para localizar a su esposo, desaparecido cuando buscaba los restos de un satélite artificial; el título alude a la supuesta frontera entre los límites de la atmósfera y el vacío del espacio. Este film tan típico de los comienzos de la carrera espacial está protagonizado por Arthur Franz, Kathleen Crowley, Robert Brown, Vicente Padula y Rodd Redwing. Gerald Fried escribió la banda sonora. United Artists estrenó La Barrera de Fuego completando un cartel con otra película de Landres, El Retorno de Drácula.

Póster de la película (foto: Pizarra del Espectador)

La compañía de Jules Levy, Arthur Gardner y Arnold Laven invirtió unos 100.000 dólares este film pensado para sacar tajada del interés público por la exploración espacial. De la rapidez de la producción da idea el hecho de que se adelantara al propio "Rey de la Serie B" Roger Corman, quien no pudo poner en las pantallas La Guerra de los Satélites hasta mes y medio más tarde. La productora había adquirido una historia del guionista Sam X. Abarbanel, de la cual al parecer sólo se mantuvo el título; en los créditos se cita a George Worthing Yates como autor del original. Aunque la "Barrera de Fuego" que protege la Tierra de los «desconocidos rayos del espacio exterior» no existe tal como se describe en la película, el vuelo del Explorer 1 a principios de 1958 permitiría descubrir los cinturones de radiación de Van Allen — más que una barrera protectora, un peligro para naves espaciales y astronautas.

La Barrera de Fuego se rodó a finales de diciembre de 1957, menos de tres meses después del lanzamiento del Sputnik 1, íntegramente en decorados de estudio. El guión fue escrito apresuradamente — el chimpancé que tripula el satélite fue un añadido de última hora tras conocer el viaje de la perra Laika en el Sputnik 2 — y no hubo tiempo para corregir sus numerosos cabos sueltos. Yates recuperó la idea principal para X-7 El Rey del Espacio con mayor fortuna. Posteriormente el productor Arthur Gardner se mostraría decepcionado con el resultado de La Barrera; tanto él como la guionista Pat Fielder destacarían haber hecho todo lo posible con un presupuesto y un calendario muy apretados. Quizás aludiendo a estos obstáculos, la actriz Kathleen Crowley (a pesar de recordar el film como «un trabajo muy, muy duro») alabaría la imaginación de los escritores del género, añadiendo que «tenían más talento de lo que a algunos les gustaría admitir».

El satélite estadounidense X117 fracasa en su intento de alcanzar el espacio exterior cuando encuentra la llamada "Barrera de Fuego". Aunque muchos lo dan por perdido en la reentrada a la atmósfera, el multimillonario Howard Dahlmann opina que ha caído en alguna parte del Yucatán y parte en su busca — con la teoría de que la nave espacial puede haber traído alguna forma de vida con ella. Semanas después, su esposa Carol llega a un remoto pueblo mexicano esperando contratar un guía que le ayude a encontrar a Dahlmann. Finalmente se hace con los servicios de los hermanos Hollister, el frío y cínico Dave y el irresponsable Matt. A medida que se adentran en la selva, oyen historias de inexplicables muertes de animales y encuentran poblados abandonados por los nativos...

Aquí puede encontrar la señora Dahlmann a sus guías (foto: The Dwrayger Dungeon)

La ingenua Carol interroga a un taxista (foto: The Dwrayger Dungeon)

Matt en su lugar habitual — la barra del bar (foto: The Dwrayger Dungeon)

Uno de los porteadores se acerca demasiado a la masa de protoplasma (foto: Pizarra del Espectador)

Dave no puede hacer nada (foto: Pizarra del Espectador)

El horripilante destino de Howard Dahlmann (foto: Pizarra del Espectador)

Escena de la película (vídeo: YouTube)

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X-7 El Rey del Espacio

Epidemia espacial

X-7 El Rey del Espacio es un film estadounidense de ciencia-ficción de 1958. Twentieth Century-Fox distribuyó esta oscura película completando un cartel que encabezaba La Mosca. Fue producida por Bernard Glasser para Regal Films — "marca" de la Fox en las producciones de bajo presupuesto — por unos 125.000 dólares, de los cuales 25.000 correspondieron a los guionistas George Worthing Yates y Daniel Mainwaring. No obstante, el director Edward Bernds reescribiría su libreto, ya que el guión original estaba pensado para una película de serie A y mayor duración. Relata cómo una sonda regresa a la Tierra cubierta por un misterioso "hongo" espacial, el cual amenaza con infectar todo el planeta después de un accidente de laboratorio. Los protagonistas son Robert Ellis, Bill Williams y Lyn Thomas. Josef Zimanich y Harry Bluestone compusieron la música.

Póster de la película (foto: CINeol)

Bernds y Glasser planearon esta película de ciencia-ficción después de haber trabajado juntos en varios westerns para Regal. La producción se aceleró con la intención de aprovechar el interés generado por el Explorer 1, primer satélite estadounidense; a sugerencia del departamento de publicidad del estudio, el título inicial Missile into Space se cambió para sonar más emocionante. Los solventes Yates y Mainwaring (con amplia experiencia en el género) escribieron una historia que juega con el miedo a los peligros del espacio, en la que la caza del desconocido portador del hongo se desarrolla al estilo de Dragnet — salvando algunas incongruencias. Aunque el argumento de X-7 El Rey del Espacio recuerda a El Experimento del Doctor Quatermass (1955), la ausencia de un "monstruo" convencional la acerca más a La Amenaza de Andrómeda (1971). La rápida y realista dirección de Ed Bernds contribuye a su eficacia.

Una de las mejores interpretaciones del film corresponde al integrante de Los Tres Chiflados Moe Howard, en un breve pero importante rol dramático. El actor se encontraba sin empleo por primera vez en más de veinticinco años, después de que Columbia Pictures cerrara sin previo aviso su departamento de cortos a principios de 1958. Ed Bernds, quien había dirigido numerosos episodios y varias películas del trío cómico, le ofreció el papel del taxista (Bernds también hace un cameo como locutor de televisión). Moe preguntó a su vez si había sitio en el equipo para su yerno Norman Maurer, deseoso de entrar en la industria del cine y el cual estaba dispuesto a trabajar sin salario. Bernds conocía a Maurer y pensaba que era un artista con talento, de modo que lo contrató por 1.000 dólares para diseñar los efectos especiales del hongo extraterrestre. Bernard Glasser se sentiría tan impresionado por el trabajo de Maurer que lo recomendó al productor Sidney Pink para La Furia del Planeta Rojo (1959).

El doctor Charles Pommer, biólogo asignado al programa de exploración espacial estadounidense, intenta probar la existencia de vida en el espacio. Para ello examina muestras recogidas por el satélite XN-712, que ha orbitado la Tierra durante meses; Pommer descubre unas esporas rojizas microscópicas pero es interrumpido por su antigua amante Laura Greeling. Después de una amarga discusión sobre la custodia de su hijo ilegítimo, Laura se marcha en taxi y deja al científico dictando sus notas en cinta magnetofónica. Horas más tarde el centro de investigación recibe la llamada desesperada de un incoherente Pommer que suplica que destruyan su laboratorio. El jefe de seguridad del proyecto John Hand y el recluta Rattigen encuentran el labo cubierto por un viscoso hongo y al doctor muerto. Al escuchar la voz de una desconocida en las notas de Pommer comprenden que un portador del hongo está suelto y se inicia la caza. Entretanto, Laura ha leído las noticias de la muerte del doctor: al saber que la policía busca a una mujer en relación con el caso, se cree sospechosa de asesinato y decide huir de las autoridades...

«Cohete hacia nuevas órbitas de emociones» (foto: IMDb)

El doctor Pommer examina unas muestras que no dejan de crecer ante la impaciente Laura (foto: IMDb)

Hand y Rattigan presienten que algo va mal en el laboratorio de Pommer (foto: IMDb)

Preparados para la descontaminación (foto: IMDb)

Incinerando el laboratorio hasta sus cimientos (foto: IMDb)

Las autoridades comprenden que el desconocido expuesto al hongo puede condenar a todo el planeta (foto: IMDb)

La maleta de Laura es hallada y examinada (foto: IMDb)

A bordo del avión de Honolulú aumenta la inquietud (foto: IMDb)

Película completa (vídeo: YouTube)

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